LA LEYENDA DE SALLY JONES – 26 DE OCTUBRE, 19:00 H
¿Puede un gorila aprender a comportarse como un ser humano?
LA CRÍTICA HA DICHO
«Una de las principales características de las cuidadas propuestas de Baychimo Teatro es la influencia de múltiples disciplinas artísticas: nos invitan a mirar y reflexionar sobre lo que nos rodea a través del arte y el espacio simbólico». (www.zaragozala.com)
«¿Qué hay de fantasía en La leyenda de Sally Jones? La narración, el teatro de títeres, las proyecciones cinematográficas, el teatro documento, el teatro gestual y el teatro de objetos de Paloma Leal y Ramón Enríquez tienen los puntos de vista para llegar hasta el punto final». (www.eventosdesegovia.com)
SINOPSIS
«Hace cien años, durante una noche de tormenta tropical, en lo más profundo de la jungla africana, nació una cría de gorila. Ni la luna ni las estrellas brillaron esa noche. Por eso el más anciano de la manada vaticinó que la recién llegada iba a sufrir muchas desgracias en el futuro». La Leyenda de Sally Jones narra la historia de una gorila nacida en un mal día y en mala hora, condenada en consecuencia a una vida de grandes trabajos, intrigas, soledad y lucha. La obra es, además, un extraordinario viaje a lo largo del mundo, desde la jungla congoleña hasta el Gran Bazar de Estambul, desde Borneo hasta Singapur, de San Francisco a Nueva York. En esta adaptación teatral del relato del escritor sueco Jakob Wegelius, los actores pasan con facilidad del rol de narradores al de manipuladores de títeres y objetos, consiguiendo una relación activa con el público, que debe plantearse constantemente la manera en que se está narrando la historia.
AUTOR – JACOB WEGELIUS
DRAMATURGIA – PALOMA LEAL
DIRECCIÓN DE ACTORES – ALBERTO MARTÍNEZ GUINALDO
ACTORES / MANIPULADORES – PALOMA LEAL Y RAMÓN ENRÍQUEZ
TÍTERES, MÁSCARAS Y VÍDEOS – ARTURO LEDESMA
ESCENOGRAFÍA – RAMÓN ENRÍQUEZ
VESTUARIO – ANDREA VALERO
COMPAÑÍA – BAYCHIMO TEATRO – CASTILLA LEÓN, ESPAÑA
ESPECTÁCULO DE ACTORES Y TÍTERES, PARA PÚBLICO FAMILIAR A PARTIR DE 6 AÑOS.
CENTRO CULTURAL PACO RABAL
Calle Felipe de Diego, 13; Madrid, 28018
Teléfono 91 5079741
http://www.comunidad.madrid/centros/centro-cultural-paco-rabal
Autobuses: 57, 144
Cercanías: Estaciones de Entrevías y El Pozo
Entrada libre hasta completar aforo
NOCHES BLANCAS – 27 DE OCTUBRE, 20:00 HORAS
Adaptación de una de las novelas mas conocidas de Dostoievski.
LA CRÍTICA HA DICHO
«Art’Imagem parece mostrársenos desde esa fidelidad a la milenaria tradición del teatro de las/los comediantes, que se cimienta en una conciencia humanística del juego. Es un colectivo con un gran peso del pasado y, a la vez, con una enorme proyección de futuro». (Artezblai, España)
SINOPSIS
Una actualización del relato homónimo del escritor ruso Fiódor Dostoievski para contar la historia de un personaje soñador en las noches claras de verano de San Petersburgo. Una de esas noches se encuentra con Nástenka, una joven que llora bajo el puente del río Neva. Casi de inmediato, ambos establecen una conexión amistosa que desvela las historias de dos experiencias dispares, pero que confluyen en la atracción mutua. Una inquietante espera definirá los siguientes encuentros nocturnos, llenos de revelaciones, ansiedades, sueños, miedos y un enigmático enfrentamiento de pasiones. Fundada en 1981, Teatro Art’Imagem es una de las compañías con mayor trayectoria en Portugal. Tiene su sede principal en la Quinta da Auditório Caverneira, en Oporto. Con más de cien espectáculos estrenados, desde la década de los ochenta ha realizado giras por prácticamente todos los países europeos.
AUTOR – FIODOR DOSTOIEVSKI
TRADUCCIÓN – NINA GUERRA Y FILIPE GUERRA
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN – PEDRO CARVALHO
INTERPRETACIÓN – CARINA FERRÃO Y FLÁVIO HAMILTON
ESCENOGRAFÍA Y FIGURINES – MARTA SILVA
MÚSICA ORIGINAL – CARLOS ADOLFO
COMPAÑÍA – TEATRO ART’IMAGEM – PORTUGAL
CON SUBTÍTULOS EN ESPAÑOL
CENTRO CULTURAL PACO RABAL
Calle Felipe de Diego, 13; Madrid, 28018
Teléfono 91 5079741
http://www.comunidad.madrid/centros/centro-cultural-paco-rabal
Autobuses: 57, 144
Cercanías: Estaciones de Entrevías y El Pozo
Entrada libre hasta completar aforo
LOS NIÑOS PERDIDOS – 3 DE NOVIEMBRE, 20:00 HORAS
Una obra del autor mexicano más popular de la literatura para niños y jóvenes
LA CRÍTICA HA DICHO
«Los niños perdidos reboza humor. Un humor negro, despiadado, a veces desmedido, pero bien equilibrado por el sentido común del actor, del joven creador que sabe llegar al alma popular desde una perspectiva crítica». (El Universal, México).
«El joven actor asume –con precisos códigos gestuales y vocales– un sinfín de personajes de distintas edades, sexos y estratos sociales que participan de la trama. La picardía con que se recrea la psicología infantil y las limpias transiciones hablan de un intérprete sensible y creativo». (Nuevo Herald, Miami, EEUU).
«Es una obra tremenda». (Juan Villoro, escritor, en La Jornada, México).
SINOPSIS
Los niños perdidos responde a la necesidad de hacer evidente una de las problemáticas más importantes que aqueja a las grandes urbes latinoamericanas, la violencia familiar y una de sus consecuencias: la violencia infantil y juvenil. La obra es una historia sobre inocencia y maldad de tres niños sin límites, producto de una sociedad que los margina, que no les da ningún valor y que por su falta de atención ha creado pequeños monstruos que expresan su desazón a través de lo único que les da poder en esta historia: un arma. El actor Esteban Castellanos da vida a más de quince personajes en escena construyendo con su cuerpo los ambientes y situaciones de la urbe y rincones que la expresan: un edificio, un taxi, la calle, el metro. Los niños perdidos tiene una trayectoria de casi 20 años en escena, sumando premios y reconocimientos a lo largo de más de 750 representaciones en distintos países de América y en Europa.
AUTOR – FRANCISCO HINOJOSA
ADAPTACIÓN, DIRECCIÓN E INTERPRETACIÓN – ESTEBAN CASTELLANOS
PRODUCTORA EJECUTIVA – ALMA CURIEL
ASESORÍA DE ILUMINACIÓN – GABRIEL PASCAL
DISEÑO SONORO – RODOLFO SÁNCHEZ ALVARADO
MALABARES – FELIPE MORALES
COMPAÑÍA – LOS PINCHES CHAMACOS – MÉXICO
A PARTIR DE 12 AÑOS
CENTRO CULTURAL PILAR MIRÓ
Plaza Antonio María Segovia, s/n; 28031, Villa de Vallecas, Madrid
Teléfono 91 305 24 08
http://www.comunidad.madrid/centros/centro-cultural-pilar-miro
Metro: línea 1, (Villa de Vallecas)
Autobús 58
Cercanías líneas C3 y C7, estación Vallecas y Santa Eugenia
Entrada libre hasta completar aforo
LA BIBLIOTECA IMAGINARIA – 8 NOVIEMBRE, 19:00 H
Si te gusta la aventura comienza con la lectura
LA CRÍTICA HA DICHO
«Con La biblioteca imaginaria, Arbolé ha producido uno de sus mejores títulos de los realizados para todos los públicos. En ella se combina el trabajo actoral de los dos titiriteros con el recurso escénico del libro tridimensional o pop-up, que en este caso se convierte en la verdadera base de espectáculo, al ser el punto de partida de donde emanan las figuras y los personajes de los cuentos que se van desplegando en la mágica biblioteca de Leocadia». (www.titeresante.com).
SINOPSIS
Una obra cuyo objetivo es transmitir a niñas y niños el placer de la lectura. En la historia Leocadia, una particular bibliotecaria, y Laura, una pequeña e incansable lectora, viajarán a través de los libros y correrán grandes aventuras: la niña caerá en el libro hasta la madriguera de Alicia en el país de las maravillas, será arrastrada por un huracán entre las páginas del Mago de Oz, y volará sobre los párrafos, en los brazos de Peter Pan. Pero en un sortilegio similar al de La historia interminable, los libros comenzaran a desaparecer, porque las niñas y niños han dejado de leerlos. Nuestra pequeña salvará la biblioteca y animará al público a leer de nuevo, porque… Si a mil mundos quieres ir un libro tienes que abrir… Con más de 40 años en escena, Teatro Arbolé es una de las agrupaciones teatrales más reconocidas de Aragón. Ha llevado a escena cerca de 60 producciones y realizado más de diez mil funciones, con presentaciones en países de Europa, América, África y Asia. Por su trayectoria ha recibido múltiples reconocimientos, como el Premio Nacional ASSITEJ, por su destacada aportación al teatro para niños, en 2003.
A PARTIR DE UNA IDEA DE ESTEBAN VILLARROCHA
DRAMATURGIA – AZUCENA RODA
DIRECCIÓN – AZUCENA RODA E IÑAQUI JUÁREZ
TITIRITEROS – PABLO GIRÓN Y AZUCENA RODA
VESTUARIO Y MUÑECOS – JULIA JUÁREZ Y Mª JOSÉ MONTÓN
ESCENOGRAFÍA – JULIA JUÁREZ
MÚSICA – FAUSTINO CORTÉS
PRODUCCIÓN – TEATRO ARBOLÉ – ARAGÓN
PARA PÚBLICO FAMILIAR A PARTIR DE LOS 6 AÑOS
TEATRO NAVE 73
Calle Palos de la Frontera, 5; Madrid, 28012
Metro: línea 3 (Embajadores o Palos de la Frontera)
Autobús 6, 8, 19, 45, 47, 55, 59, 60, 78, 85, 86, 102, 148, 247
Cercanías estación Embajadores C5
Entrada libre hasta completar aforo
EJECUTOR 14 – 26 DE NOVIEMBRE, 19:00 HORAS
La topografía mental de quien ha vivido la guerra
LA CRÍTICA HA DICHO
«Adel Hakim fue un hombre de teatro integral, un sabio de la dramaturgia que trabajó para instalar puentes entre diversos ámbitos: América Latina y Francia, Jerusalén y París, siempre con el teatro como instrumento». (www.artezblai.com).
«Ejecutor 14 es la obra más emblemática de Adel Hakim». (www.eluniversal.com).
SINOPSIS
¿Qué es lo que queda de una ciudad cuando se ha derrumbado, abatida, por las batallas? Agitación, locura asesina. Un joven reflexiona y camina entre los despojos. Intenta reconstruir la lógica de los hechos de la guerra, pero pierde el hilo y vuelve a la sinrazón. Este hombre, memoria de la humanidad, revive el ocaso: la aparición del odio, los amores perdidos, las víctimas transformadas en verdugos, la huida hacia la nada… Ejecutor 14 ahonda en los motivos de la radicalización de la violencia. Adel Hakim nos propone un viaje al mundo interior de su protagonista, un ámbito complejo y en principio incomprensible. La guerra y el fanatismo se muestran ante nosotros en los telediarios, el cine o la literatura. Sin embargo, Hakim estaba convencido de que el teatro es el único medio en el que el espectador puede llegar a alojarse en la mente de aquellos que han pasado por la experiencia de la destrucción irracional para comprender verdaderamente lo ocurrido.
AUTOR – ADEL HAKIM
DIRECCIÓN – LIDIO SÁNCHEZ CARO
INTERPRETACIÓN – LUIS CARLOS LUNA
DISEÑO PLÁSTICO – MARÍA MARCOS PATIÑO
COMUNICACIÓN Y PRENSA – PATRICIA MARCOS
COMPAÑÍA – ARTISTAS Y. – ESPAÑA
CENTRO CULTURAL ANTONIO MACHADO
Calle San Román del Valle, 8; Madrid 28037
Teléfono 91 313 52 94
Metro línea 2 (Alsacia)
Autobuses: 4, 38, 48 y 165
Entrada libre hasta completar aforo
QUIZÁ – 28 DE NOVIEMBRE, 19:00 HORAS
Un viaje y un ritual para hablar de las mujeres que nos habitan, que están en nuestra memoria.
LA CRÍTICA HA DICHO
«Teatro Abya Yala no forma parte de los movimientos artísticos que reafirman las convenciones sociales; por el contrario, se convierte en un espejo inclemente que despoja a los espectadores, contra su voluntad, del recurso de la venda primorosamente tejida durante siglos por los custodios del disimulo y la decencia». (Revista Ístmica, Costa Rica).
«Fue el montaje más rico del 27º Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz». (José Henríquez, en Periódico Diagonal, España, con motivo de la presentación de Vacío, de Abya Yala, en el FIT 2012).
SINOPSIS
La reconocida compañía Abya Yala, tres veces Premio Nacional al mejor grupo teatral de Costa Rica, colaboró con la actriz de Guatemala Magdalena Morales en la creación de este espectáculo a partir de poesías de la escritora también guatemalteca Vania Vargas. Tomando fragmentos de dos de sus libros y mezclándolos con textos propios, así como con música de Carlos José Castro Mora, ganador del Grammy Latino en composición en 2008, la directora Roxana Ávila consigue un espectáculo conmovedor y sutil. La obra se ha presentado en Centroamérica en diversos festivales de mujeres, pueblos originarios, y en espacios de ritual y resistencia, así como en los Estados Unidos. Más que una obra teatral, Quizá, es un ritual lúdico y sereno. En él se utilizan títeres de diversos tamaños y estilos. La obra también puede leerse como la historia de las diferentes mujeres que habitan en la actriz. Música en vivo, títeres realizados por expertos titiriteros guatemaltecos, poesía, danza e imágenes inolvidables, en este unipersonal, personalísimo del Teatro Abya Yala.
AUTORAS – VANIA VARGAS Y ROXANA ÁVILA
DIRECCIÓN – ROXANA ÁVILA
INTERPRETACIÓN – MAGDALENA MORALES
MÚSICA ORIGINAL – CARLOS JOSÉ CASTRO MORA
TÍTERES – GRUPO HORMIGAS DE TOTONICAPÁN
COMPAÑÍA – ABYA YALA – COSTA RICA
CASA DE AMÉRICA, ANFITEATRO GABRIELA MISTRAL
Calle Marqués del Duero, 2; Madrid, 28001
Teléfono 91 595 48 00
Metro: línea 2 (Banco de España)
Autobuses: 1, 2, 5, 9, 1 0, 1 4, 1 5, 20, 27, 34, 37, 45, 51 , 52, 53, 74, 146, 150, 202
Entrada libre hasta completar aforo
LA MIEL NO CADUCA – 2 DE DICIEMBRE, 19:00 HORAS
Espectáculo sostenible sobre la degradación ecológica del planeta
LA CRÍTICA HA DICHO
«Cortegoso emplea códigos muy sencillos para hablar de algo mucho más grande: la actitud de los seres humanos ante el planeta tierra y la idea de preservarlo y cómo la carrera capitalista a la que nos subimos en el presente podría condicionar un futuro en el que, efectivamente, la vida natural sea tan escasa que solo sirva para ser tratada en experimentos por seres con capacidad para programarse y desprogramarse». (www.butacaenanfiteatro.com).
«Esta nueva pieza de Ibuprofeno Teatro es un paso adelante y de consolidación de una compañía que apuesta por la dramaturgia gallega de autor y la escritura a pie de obra de temas que afectan a la sociedad actual». (Revista Grial).
SINOPSIS
Dos científicos, en el año 2173, llevan a cabo sofisticados y absurdos experimentos en un contexto de futuro distópico donde el planeta está arrasado. Tratan de crear sintéticamente una abeja a partir del último tarro de miel que se conserva en la historia. Dos hermanos vuelven a la casa familiar en la aldea por la muerte de su madre. El conflicto aflora cuando deben gestionar las pertenencias familiares. El hermano más mayor opta por venderlo todo. La chica, más joven, entra en una crisis vital porque se debate entre su acomodada vida en una ciudad alejada y la nostalgia que le produce volver a entrar en contacto con los objetos y recuerdos que marcaron su vida. Ibuprofeno Teatro fue fundada en 2010. El absurdo y un humor ácido y sarcástico son lugares comunes en sus montajes. A poco más de diez años de su fundación, la compañía suma varios premios y reconocimientos. Con el espectáculo Raclette fue finalista a mejor autoría y dirección en los Premios Max.
AUTOR Y DIRECTOR – SANTIAGO CORTEGOSO
INTÉRPRETES – MARIÁN BAÑOBRE Y AVELINO GONZÁLEZ
ESPACIO ESCÉNICO E IMAGEN – DIEGO SEIXO
DISEÑO DE ILUMINACIÓN – SALVADOR DEL RÍO
VESTUARIO – MARIÁN BAÑOBRE Y BETY BUSTO
ESPACIO SONORO – DAVIDE GONZÁLEZ
PRODUCCIÓN – IBUPROFENO TEATRO – GALICIA
CENTRO CULTURAL ANTONIO MACHADO
Calle San Román del Valle, 8; Madrid 28037
Teléfono 91 313 52 94
Metro línea 2 (Alsacia)
Autobuses: 4, 38, 48 y 165
Entrada libre hasta completar aforo
MEDEA, LA EXTRANJERA – 5 DE DICIEMBRE, 20:00 HORAS
Todos, en algún momento de nuestra vida, hemos sido Jasón o Medea
LA CRÍTICA HA DICHO
«Medea, la extranjera de Teatro del Norte, ha sido un trabajo del cual he disfrutado, he tenido los pelos de puntos en sus momentos más álgidos…, ha sido un lujo ver a esta veterana compañía en acción, con tanta energía en escena, y con unos modos de trabajo que te demuestran que no han dejado de darles vueltas y vueltas a la hora de abordar un clásico». (Achtung!).
«Sobrecogedora obra Medea la extranjera, de la Compañía de Teatro del Norte». (www.fundacionsiglofuturo.org).
«Etelvino Vázquez es uno de los más destacados impulsores del teatro independiente español». (La Nueva Crónica).
SINOPSIS
Una personalísima versión del personaje clásico que pretende reducir la tragedia a lo esencial, prescindiendo de antecedentes y peripecias mitológicas para poder conectar con el espectador de hoy. Medea es una historia de amor, o mejor, el negro reverso de una historia de amor que ocurre ahora mismo, en cualquier lugar. Medea es la princesa extranjera repudiada por el europeo y civilizado Jasón. Todos, en algún momento de nuestras vidas, hemos sido Jasón o Medea. O quizá Jasón y Medea al mismo tiempo, porque el amor, antes y ahora, nos vuelve absurdamente vulnerables y estúpidamente crueles. El Teatro del Norte fue creado hace 37 años como un grupo de encuentro, espacio de investigación y de búsqueda en torno al hecho teatral. Un lugar de experimentación, de confrontación con otras formas artísticas, de reflexión y aprendizaje de la práctica escénica. Su larga trayectoria incluye obras de diversos géneros con las que ha participado en innumerables festivales de ámbito nacional e internacional.
AUTORES – EURÍPIDES, SENECA, ANOUILH, MÜLLER, LORCA Y SERGIO VIGIL ESCALERA
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN – ETELVINO VÁZQUEZ
INTÉRPRETES – CRISTINA LORENZO, DAVID GONZÁLEZ Y ETELVINO VÁZQUEZ
ESPACIO ESCÉNICO – CARLOS LORENZO
VESTUARIO – MANUELA CASO
ILUMINACIÓN – MANUEL ÁLVAREZ
COMPAÑÍA – TEATRO DEL NORTE – ASTURIAS
TEATRO NAVE 73
Calle Palos de la Frontera, 5; Madrid, 28012
Metro: línea 3 (Embajadores o Palos de la Frontera)
Autobús 6, 8, 19, 45, 47, 55, 59, 60, 78, 85, 86, 102, 148, 247
Cercanías estación Embajadores C5
Entrada libre hasta completar aforo
EL LÍMITE DEL DOLOR – 6 DE DICIEMBRE, 20:00 HORAS
Una reflexión sobre la resistencia, el miedo y la dignidad humana
LA CRÍTICA HA DICHO
«Un espectáculo que logra su objetivo: lanzar la discusión sobre víctimas y verdugos en el Portugal contemporáneo e intentar comprender qué papel juegan antes y después de la revolución y cómo se posiciona la sociedad en relación con ellos». (www.sinaisemlinha.com).
«Esta magnífica puesta en escena nos invita a reflexionar lo cerca que estamos nuevamente de una desbordada opresión». (www.criterio.hn).
SINOPSIS
La obra, basada en el programa de radio de Ana Aranha, en Antena 1, de Portugal, y en el libro No limite da dor, de Carlos Ademar, rememora los tiempos de la dictadura portuguesa y los interrogatorios realizados por la PIDE —Polícia Internacional e de Defesa do Estado, durante el régimen de Salazar—, a través de los testimonios reales de cuatro personas. El espectáculo tiene el objetivo de preservar la memoria de las últimas décadas de la historia de Portugal. Su largo recorrido incluye giras por España y varios países de América Latina. La compañía Lendias d’Encantar tiene su sede en la localidad de Beja, en el Alentejo. Su trabajo incluye no solo la creación y producción, sino también la formación y dinamización cultural de la región. En 2014 puso en marcha FITA – Festival Internacional de Teatro do Alentejo, que hoy se promueve en 10 pueblos y ciudades de la región. En 2018 lanzó la revista Escenarios, publicada en español y en portugués, dedicada íntegramente al teatro que se desarrolla en el espacio iberoamericano.
AUTORES – ANA ARANHA Y CARLOS ADEMAR
DIRECCIÓN Y ESCENOGRAFÍA – JULIO CÉSAR RAMÍREZ
INTERPRETACIÓN – ANTÓNIO REVEZ
FIGURINES, DISEÑO GRÁFICO Y FOTOGRAFÍA – ANA RODRIGUES
BANDA SONORA – JOÃO NUNES Y FERNANDO PARDAL
DISEÑO DE ILUMINACIÓN – IVAN CASTRO
COMPAÑÍA – LENDIAS D’ENCANTAR – PORTUGAL
ESPECTÁCULO EN ESPAÑOL
TEATRO NAVE 73
Calle Palos de la Frontera, 5; Madrid, 28012
Metro: línea 3 (Embajadores o Palos de la Frontera)
Autobús 6, 8, 19, 45, 47, 55, 59, 60, 78, 85, 86, 102, 148, 247
Cercanías estación Embajadores C5
Entrada libre hasta completar aforo
TÉ CON KANT – 9 DE DICIEMBRE, 19:00 HORAS
Proyecto experimental que conjuga el ensayo filosófico y la creación escénica
LA CRÍTICA HA DICHO
«Rara vez, como en Té con Kant, la relación entre el escenario y el público es tan cierta. Y no solo porque la obra se resuelve con una votación que decide el destino de los personajes (tragedia democrática que por sí sola haría que la obra fuera digna de entrar en la historia del teatro gallego) sino porque consigue enganchar al espectador con un material insólito: un congreso de filosofía». (www.erreguete.gal).
«Un espectáculo donde el humor, la ironía y la filosofía se dan la mano para promover la reflexión (y la acción) en el espectador, a través de la manipulación de objetos, proyecciones de vídeo, fotomontajes, recortes y teatro de sombras». (www.liceomutante.com).
SINOPSIS
Con un formato de teatro didáctico-conferencia, las dos protagonistas de la obra ejercen como agitadoras filosóficas para promover la reflexión alrededor de la problemática moral de nuestros días, así como examinar las ventajas e inconvenientes de la época ilustrada. Bajo el espectro de su amigo, el filósofo Immanuel Kant, exploran el por qué del fracaso de la Ilustración y su absoluta confianza en la razón humana para dar paso a nuestra época postmoderna, en la que predomina el fragmento y la decepción. ¿Es posible todavía mejorar nuestras sociedades bajo los dictámenes de la razón, o el género humano está condenado al fracaso? Todo eso será discutido entre las intérpretes y el público con el pretexto de la invitación de un exquisito té. Inversa Teatro fue fundada en 2009. Con varias producciones en repertorio, se ha presentado en diferentes espacios y festivales en Galicia, Portugal y América, donde desde el 2012 ha estado de manera consecutiva en países como Colombia, México, Brasil, Venezuela y los Estados Unidos.
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN – MARÍA CAPARRINI Y MARTA PÉREZ
INTERPRETACIÓN – MARTA PÉREZ Y MARÍA ROJA
CREACIÓN PLÁSTICA – MARÍA ROJA
EDICIÓN DE VÍDEO – MARÍA CRESPO
VESTUARIO – CENTRO DRAMÁTICO GALEGO
COMPAÑÍA – INVERSA TEATRO – GALICIA
CENTRO CULTURAL ANTONIO MACHADO
Calle San Román del Valle, 8; Madrid 28037
Teléfono 91 313 52 94
Metro línea 2 (Alsacia)
Autobuses: 4, 38, 48 y 165
Entrada libre hasta completar aforo
PETITE FLEUR – 12 DE DICIEMBRE, 19:00 HORAS
Prohibida la tristeza: Petite Fleur es un payaso músico y malabarista
LA CRÍTICA HA DICHO
«Las marionetas están especialmente bien conseguidas y el manejo por parte de Rafael Benito es simplemente espectacular consiguiendo que los diferentes personajes que saltan a escena realicen las más inverosímiles acrobacias, piruetas números musicales y que nos pongan el corazón en un puño». (www.yosoydisfrutologo.es).
«Si quieren sorprender a sus hijos con un show que les va a dejar boquiabiertos, no se lo piensen dos veces y llévenlos a este espectáculo. No se trata solo de una obra infantil, ya que ilusiona también a los mayores de la familia». (www.destinosurbanos.com)
SINOPSIS
Petite Fleur es el nombre de un payaso, un excéntrico que se caracteriza por su tozudo enfrentamiento a las dificultades, de tal manera que las acaba resolviendo, a menudo, con una genialidad sorprendente. Tradicionalmente, el excéntrico no habla, utiliza instrumentos musicales, objetos y realiza malabares. En el espectáculo, Petite Fleur también manipulará marionetas. El payaso, el bufón, el cómico es uno de los pilares tambaleantes en los que se asienta la sociedad, precisamente para rebajar la solemnidad y seriedad falsa que se nos exige en la vida diaria. Esa ruptura, quizá sea lo que hace desatarse la risa del niño. Cuando el adulto pierde su compostura cómicamente, su mundo se acerca al del niño y puede llegar a entenderlo. Desde 1997, la compañía Alauda Teatro, compañía afincada en Salazar, Burgos, crea espectáculos de teatro de títeres y marionetas, utilizando la gran mayoría de las técnicas de manipulación y con una puesta en escena actual y comprometida.
DRAMATURGIA, DIRECCIÓN E INTERPRETACIÓN – RAFA BENITO
COREOGRAFÍA, ILUMINACIÓN Y VESTUARIO – ISABEL SOBRINO
PRODUCCIÓN – ALAUDA TEATRO – CASTILLA LEÓN
PARA PÚBLICO FAMILIAR A PARTIR DE LOS 6 AÑOS
TEATRO NAVE 73
Calle Palos de la Frontera, 5; Madrid, 28012
Metro: línea 3 (Embajadores o Palos de la Frontera)
Autobús 6, 8, 19, 45, 47, 55, 59, 60, 78, 85, 86, 102, 148, 247
Cercanías estación Embajadores C5
Entrada libre hasta completar aforo
FRAUDE – 13 DE DICIEMBRE, 20:00 HORAS
Aquel que miente siempre busca obtener algo
LA CRÍTICA HA DICHO
«De todo mi corazón recomiendo Fraude, ya que aparte de buena actuación y abundancia de humor, el espectáculo ofrece una cierta y grave diagnosis sobre nuestra humanidad. El engaño está presente en nuestra vida y sus consecuencias nos destruyen. Vivimos rodeados por las apariencias desde los principios. Por lo tanto, como los actores al final de la escena, podemos preguntarnos ¿quiénes somos realmente?». (www.sticomythiac.blogs.uv.es).
SINOPSIS
A partir de historias reales de hombres que representan al padre de familia modélico pero que mantienen una doble vida, es decir, que tienen dos familias, el espectáculo viaja entre las dos realidades que este personaje masculino central mantiene de forma simultánea. Fraude ahonda en la naturaleza del individuo que finge, que aparenta para cumplir con un rol prefijado. Este personaje actúa como metáfora del sistema capitalista. Su comportamiento es una analogía del funcionamiento estructural de la sociedad de consumo basada en la apariencia y la venta de humo. La obra es, en definitiva, una investigación sobre la figura del padre de familia: cómo se ve obligado a representar el rol del control y el poder absoluto, y cómo esto puede llevarlo a hacer uso de la mentira para encubrir sus miedos y sus incapacidades. Desde sus inicios, la compañía Eva Zapico ha privilegiado en sus montajes la plástica corporal y la llamada dramaturgia de la imagen, apostando siempre por la investigación escénica y el riesgo artístico.
DIRECCIÓN – EVA ZAPICO
CREACIÓN E INTERPRETACIÓN – MORGAN BLASCO, ÁNGEL FIGOLS, IÑAKI MORAL, MIGUEL ÁNGEL SWEENEY Y JUAN ANDRÉS GONZÁLEZ
ILUMINACIÓN – XIMO OLCINA
ESCENOGRAFÍA – LUIS CRESPO
PRODUCCIÓN EJECUTIVA – VICKY GARRIGUES
COMPAÑÍA – EVA ZAPICO – VALENCIA
TEATRO NAVE 73
Calle Palos de la Frontera, 5; Madrid, 28012
Metro: línea 3 (Embajadores o Palos de la Frontera)
Autobús 6, 8, 19, 45, 47, 55, 59, 60, 78, 85, 86, 102, 148, 247
Cercanías estación Embajadores C5
Entrada libre hasta completar aforo
CRÓNICAS DE CERO – 19 DE DICIEMBRE, 20:00 HORAS
SIDA: la historia de una pandemia
LA CRÍTICA HA DICHO
«Crónicas de cero, de Waddys Jáquez, es poesía contra la deshumanización». (www.mipuntodevistacritico.com).
«El teatro dominicano se ha avivado en los últimos años gracias a las puestas en escena de las obras de Waddys Jáquez». (www.hoy.com).
SINOPSIS
Un espectáculo tragicómico cuya historia, contada a través de siete relatos, nos muestra la trayectoria del SIDA a su paso por América. Durante una hora, siete personajes y sus feroces narraciones interpretadas por un solo actor, suben al escenario para transportarnos a diferentes lugares del continente. Desde un gran concierto de música urbana en San Juan de Puerto Rico, hasta el último día de un cabaret de mala muerte en Yucatán, México. Y así continúa este recorrido por el malecón de La Habana, un salón de conferencias en Santo Domingo, en la República Dominicana, y las frías calles de la Gran Manzana, en Nueva York. Waddys Jáquez es escritor, director, actor y coreógrafo dominicano. Ha recibido 4 premios ACE de la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York, y 5 HOLA Award de la Hispanic Organization of Latin Actors; y en su país, 15 estatuillas de los premios Casandra / Soberano. Por su importante contribución a las artes fue distinguido por la Secretaría de Cultura con el título de “Personalidad Cultural de la República Dominicana”, en 2011. Su biografía fue incluida por Oxford University en su Dictionary of Caribbean and Afro-Latin American Biography.
AUTOR, DIRECTOR E INTÉRPRETE – WADDYS JÁQUEZ
PRODUCCIÓN – LA MANZANA ENVENENADA – REPÚBLICA DOMINICANA
TEATRO NAVE 73
Calle Palos de la Frontera, 5; Madrid, 28012
Metro: línea 3 (Embajadores o Palos de la Frontera)
Autobús 6, 8, 19, 45, 47, 55, 59, 60, 78, 85, 86, 102, 148, 247
Cercanías estación Embajadores C5
Entrada libre hasta completar aforo
LA INVASIÓN DE LOS BÁRBAROS – 20 DICIEMBRE, 20:00 H.
Dos momentos históricos de España
LA CRÍTICA HA DICHO
«La obra en sí es impactante, desgarradora y, a momentos, dura y profunda con crueles silencios que emocionan más que las palabras que contiene el propio diálogo. (…) Ha sido un gran privilegio poder disfrutar de esta obra que ha logrado de manera fulminante tocar todo el abanico de emociones que una persona puede sentir». (En Platea).
«Duelos interpretativos magníficamente interpretados por Iria Márquez y Juan Carlos Garés (por un lado) y por Rosa López y Chema Cardeña (al otro). Una magnífica puesta en escena, con unas brillantes interpretaciones». (Voltar i Voltar).
«Una obra muy bien elaborada y trabajada y que, en definitiva, sorprende muchísimo, con una visión muy interesante sobre la memoria histórica y el arte. No os lo penséis dos veces». (Teatralment).
SINOPSIS
1939, Torres de Serranos, Valencia. Una conservadora del Museo del Prado es interrogada por un teniente franquista acerca de uno de los cuadros que se trasladaron a esta ciudad durante la guerra. 2009: una mujer acude al ayuntamiento de un pequeño pueblo de Valencia para entrevistarse con el alcalde, para hablar sobre un asunto relacionado con la nueva Ley de Memoria Histórica. Dos momentos de la historia de España, en un único espacio que traspasa la temporalidad. Un cuadro, dos épocas, cuatro almas traspasadas por la historia. Arden Producciones se crea en 1995 con la intención de recuperar el gusto por el teatro clásico a través de textos contemporáneos. Sus montajes presentan un retrato de la sociedad actual a través de personajes y/o hechos históricos, reflejando temas humanos y sociales comunes a todas las épocas. Numerosos premios y nominaciones avalan su trayectoria, contando además con el reconocimiento del público y la crítica por la factura de sus puestas en escena, el rigor los trabajos actorales y la solidez dramatúrgica de sus propuestas.
AUTOR, DIRECTOR Y ESPACIO ESCÉNICO – CHEMA CARDEÑA
INTERPRETACIÓN – IRIA MÁRQUEZ, ROSA LÓPEZ, JUAN CARLOS GARÉS Y
CHEMA CARDEÑA
DISEÑO ILUMINACIÓN – PABLO FERNÁNDEZ
VESTUARIO – PASCUAL PERIS
MÚSICA, VOZ Y CREACIÓN AUDIOVISUAL – JAVIER MARCOS / GALOPE
COMPAÑÍA – ARDEN PRODUCCIONES – VALENCIA
TEATRO NAVE 73
Calle Palos de la Frontera, 5; Madrid, 28012
Metro: línea 3 (Embajadores o Palos de la Frontera)
Autobús 6, 8, 19, 45, 47, 55, 59, 60, 78, 85, 86, 102, 148, 247
Cercanías estación Embajadores C5
Entrada libre hasta completar aforo